吃一针一线功夫，传承百年“线”

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施翠婷向记者介绍了京剧《马前泼水》的服装设计。胡克飞照片

京剧服装厂有一个专门存放京剧服装图案的仓库。工厂成立以来，所有的原始图纸都得到了精心的保存，这对行业的传承意义重大。

陈玉舍

雌蟒是高贵女性最庄重的服装，如皇后、妃子、公主和诏令。比如，杨贵妃在《醉贵妃》中去皇帝的约会时穿着蟒蛇。石导演介绍，左图这件绣花袍上的云纹刺绣完全是手工制作的，刺绣用的金线来自南京金线金箔总厂。这种金丝线制作精良，需要经过制粉、造纸、捻线、滚丝等十几道工序手工完成，其中的力量是靠经验充分掌握的。

当我还是个孩子的时候，我不能理解这出戏，但是我喜欢看台上穿着多彩服装唱歌的角色。当你看到龙袍，你就会知道那是皇帝；当你看到那件绣花长袍时，你就会知道那是牧师，和那个穿着彩色刺绣的富家千金。但是你知道，对穿着服装有严格的要求。如果你穿错了，你将不可避免地让你的同龄人发笑。因此，剧团一直有一个规则，就是“穿坏了总比穿坏了好”。

你在歌剧舞台上穿的衣服叫做“服装”。从门外汉的角度来看，只有歌剧服装是丰富多彩和令人眼花缭乱的。事实上，它的使用极其精巧。色彩搭配和图案设计都坚持了中国戏曲艺术一贯的写意性和象征性，这也是中国传统文化的精髓。在中国传统戏曲的发展和传承过程中，人们往往把注意力转向年轻演员的传承，但他们不知道“戏服”是这一古老艺术百年不衰的原因之一。

一南一北有两家工厂，每一代有一家

"没有服装，京剧就不能算是京剧。"北京戏剧厂厂长石金川说。

北京市东城区朱石口曹喜胡同32号，是北京戏剧服装厂的旧址。自1956年17家私营商店和戏剧服装行业的个体作坊合并以来，已经过去了60多年。工厂大楼还是老样子。戏剧工厂的门市部和几乎绝迹的旧柜台在那里静悄悄的，上面放着各种服装道具。

石金栓18岁时，来到北京戏剧厂见他的父亲和叔叔，开始当学徒。“当我第一次进入工厂时，我第一次学会了切割。师父根本不让我动剪刀，只是看着。”一个月后，当师父不注意时，史金栓擅自尝试了服装中最简单的彩色裤子，并将布料切成四块，完全忘记了师父曾告诉他彩色裤子是由前后两块缝制而成。大师发现后非常生气，并警告他说:“制作服装时，你应该‘拉紧尺子，慢慢剪’。”这种昂贵的布料一旦被裁掉，损失是无法弥补的。“有了这样的经验，切割石头的过程已经研究了3年的金栓灯。

学徒过着艰苦的生活。幸运的是，石金栓赶上了歌剧服装生产市场的最佳年份。“在文化大革命期间，许多剧团丢失了他们的传统服装。20世纪80年代初，恢复传统的歌剧表演需要大量的歌剧服装。史金川回忆说，当时，单位里最漂亮的是经营企业的同事。订单如雪片般涌来，工人们分几个班次工作，正全力以赴。“歌剧服装不同于普通的成衣。它们可以在不打开电源的情况下移交，让机器自己运行。许多过程必须手工完成。”他强调。

歌剧服装包括蟒蛇、枕木、裤子、褶裥、头盔、靴子和鞋子以及配饰。每件服装的生产都必须经过设计、样品装订、粉末印刷、刺绣、裁剪和轴承等工序。它不受年龄的限制，只为表演服务，要求演员在穿上后保持一定的秩序和严肃性。只要服装出现，观众就能知道角色的身份。

还有一群人坚持在北京以南1000公里的江苏省苏州市西柏花巷。这是苏剧服装合作公司的所在地。与史金栓一样，“领袖”李荣森也是传家宝。

"我们家的服装生产始于我祖父."李荣森说，他从小在一家工厂长大，开始对看似无聊的服装制作感兴趣。“苏州是戏曲服装生产的发源地，它有500多年的书面历史，与昆曲一起诞生。历史上，苏绣市场有一半以上是以戏剧为导向的，这也是苏绣成为四大名绣之首的重要因素。”李荣森自豪地说道。

李荣森还介绍说，南北戏曲服装的差异来自于场地。北方的舞台更大，服装的色彩对比更强烈、更鲜明，而南方的舞台大多在大厅里表演，服装更精致、更优雅。苏州戏曲服饰有限公司仍然保留着传统的手工制作方法“一件一制”。有人建议他用现代技术取代它，但李荣森断然拒绝了。在他看来，如果这些传统技能得不到保留，这种传承了500多年的技能将会消失。"我不想成为历史的罪人。"李荣森说道。

学会努力工作，然后习惯它

“别看我。有点乱，但是信息存储在哪里？我的心就像一面镜子。”70多岁的国家一级舞蹈家、北京京剧院前时装设计师施翠婷说，他会让记者进入他的房子。

施翠婷不是艺术班出身，而是学歌剧的。12岁时，在父亲的影响下，施翠婷被邢台市河北梆子剧团的学生班录取，但她很快发现自己对艺术更感兴趣，并把精力投入到舞台设计上。1978年，她被调到北京京剧院，正式开始设计京剧服装。

传统戏曲艺术已经传承了一百年，为什么你还需要时装设计？对此，史翠婷回答说:“歌剧是不断发展进步的。目前，出现了大量的新历史剧和现代剧。这些戏剧不同于传统戏剧。设计服装时，我们必须同时考虑传统元素和时尚元素。更重要的是，设计的服装应该符合角色的个性和身份。"

石翠婷在北京京剧院小剧场为京剧《马前泼水》所做的服装设计是一次大胆的探索，也是她引以为豪的作品。石翠屏看到剧本后，发现很多地方都是倒叙，舞台需要在舞台上换。施翠婷花了很大力气想立刻改变一件衣服的样式。最后，女主角衣服的右袖是淡粉色，左袖是淡蓝色。因为需要在舞台上直接更换，裙子被设计成两层，外侧是蓝色，内侧是红色。当演员转身时，他通过带扣的设计将裙子合在一起，衣服立刻从冷色变成暖色。

史翠婷与其说是一位时装设计师，不如说是一位性格设计师。接到工作后，设计师应该从研究剧本开始分析人物的性格和身份，甚至跑龙套的演员也不应该粗心大意。一出戏有将近100套服装，从主角到配角，从带子、帽子、衣服到鞋子。这项工作既乏味又有耐心。

施翠婷向记者展示了她的文件夹，在那里她可以看到自己的设计图和工整的笔迹。每个角色不仅有一张全身照片，还有一张详细的分解图，就像领口的刺绣或腰部的褶皱一样精致。

每次设计一批戏，施翠婷都要去服装厂呆上近一个月。每一件刺绣品都已经向工人们解释清楚了。如果布料和颜色不合适，她会自己给它上色，然后指导工人给它染色。为了在服装上找到小配件，她甚至乘公交车走遍北京寻找它们。“有些员工认为我苛刻，但细节决定成败。做生意就是要学会努力工作，然后习惯它。”石翠婷说道。

许多政党一起工作，代代相传

中国传统戏曲服装为中国传统戏曲表演服务，中国传统戏曲表演市场萎缩，这也影响了中国传统戏曲服装的生产市场。从业者必须思考这种工艺的继承和发展。

李荣森说，这些年来，他每年都会招募两三名学徒，通过生产性继承培养接班人。虽然无法与一个工厂800多人的规模相提并论，但他从未放弃考虑技能传承的需要。他还计划在未来与大学发展校企合作，培养在校学生。

李荣森的想法与中国戏曲学院舞台美术系副主任彭丁煌的想法不谋而合:“这个专业必须实践，才能学到更多的三维。”中国戏剧学院舞台美术系服装专业是一门四年制课程，包括服装基础设计、服装设计、传统戏剧设计、新历史剧和现代戏剧设计等一系列课程和实践活动。“我们每年招收大约20名学生。毕业后，学生们可以选择在我们学校继续学习，或者在大学工作。”另一方面，彭丁煌也向记者表达了自己的担忧:“现在的学生往往愿意毕业后留在大城市，而不想在当地的基层高校工作。实际情况是，基层院校对舞台服装设计人才需求很大，但更容易发挥他们的才能。”

石金川看中了文化与旅游融合的发展机遇:“我希望今后通过与旅游、教育部门的合作，将一些工厂建成服装体验基地，让非基因传承人可以在这里展示自己的生活。同时，一些课程或活动是根据体验内容设计的，这样来这里的人可以通过舞台体验了解和理解戏曲服装的制作。”

如今，由于年龄和身体原因，施翠婷不再从事戏曲服装的设计，但她并没有放弃自己热爱的事业。她正在写一本关于中国京剧服装图案的书，这本书将把多年来获得的收获和经验留给更多对传统文化和戏曲艺术感兴趣的年轻人(胡克飞)

责任:张洋